In diesem Jahr wäre Anton Bruckner 200 Jahre alt geworden, ebenso viele Gedenkausgaben seiner Werke sind auf dem Markt erschienen.
Sie umfassen sowohl Musik , die speziell für dieses Jubiläum aufgenommen wurde , als auch Neuauflagen. Beispielsweise veröffentlichte der CD JAPAN Store kürzlich drei neu aufgelegte SACD-CDs mit Musik dieses Komponisten unter der Leitung von Jeffrey Tatte und Ricardo Mutti. Das Label Tacet beschloss, etwas anderes vorzubereiten.
Statt, wie es in den Pressematerialien zu lesen ist, „die 100. Veröffentlichung anlässlich des Bruckner-Jahres mit blumigen, aber letztlich nichtssagenden Werbeslogans zu bewerben“, will Tacet „zum Nachdenken über Produktionsprozesse in der klassischen Musik anregen“. Wir erhalten die gleiche CD in zwei Versionen – unbearbeitet, mit der vollständigen Aufnahme, und bearbeitet, also eine, bei der einzelne Fragmente aus unterschiedlichen Ansätzen ausgewählt und zu einem neuen Ganzen zusammengefügt wurden. Welche ist besser? – Diese Frage müssen wir selbst beantworten.
Die Neuaufnahme von Anton Bruckners 7. Symphonie ist zweimal in voller Länge, in zwei Fassungen, jeweils auf einer CD erhältlich. Bei der einen handelt es sich um eine Live-Aufnahme ( Uncut ), bei der anderen um eine produzierte, bearbeitete Version ( Cut ), beide in identischen Aufnahmebedingungen, allerdings mit leichten Unterschieden in der Länge einzelner Fragmente. Dies bedeutet, dass die Bewertung nicht durch verschiedene Umstände während der Aufnahmen beeinflusst wird, sondern nur durch die „ Aufnahmesituation “. Der Verlag schreibt:
Wir freuen uns sehr, dass András Keller und Concerto Budapest, mit denen wir seit vielen Jahren eine fruchtbare Zusammenarbeit pflegen (dies ist unsere achte Aufnahme), sich bereit erklärt haben, dieses Projekt umzusetzen! Darüber hinaus ist diese Zusammenstellung nur dank des intensiven Dialogs nach den Aufnahmen entstanden . Mehr dazu im Booklet.
Und als nächstes: András Keller steht in einer ungebrochenen europäischen Tradition , die weit in die Vergangenheit zurückreicht, vielleicht sogar bis zu Anton Bruckner. Das Spiel der Streicher, die sinnlichen Melodielinien aller Instrumente, die Qualität des Gesangs selbst in den emotionalen Passagen sind berührend altmodisch und doch zeitlos modern. Und die monumentalen Bögen und Crescendos in Anton Bruckners Musik sind wie maßgeschneidert für jeden Zuhörer, der sich die Frage stellt: Was erwarte ich von einer Aufnahme? Was bewegt mich mehr, die Live-Aufnahme oder das produzierte „Cut or Uncut“?
Aufnahme – Dokument oder Kreation?Im öffentlichen Bewusstsein erscheinen Aufnahmen klassischer Musik als Dokumente – sei es als Mitschnitt eines Konzerts oder als Aufnahmen ohne Publikum. Die meisten Zuhörer stellen sich das so vor: Nach dem Vorbereitungsprozess, also den Proben, spielt das Orchester ein vorgegebenes Stück, es wird aufgenommen und dann veröffentlicht. Nichts ist weiter von der Wahrheit entfernt. Ein solches Verfahren gab es nur zu Zeiten der Schellack-Schallplatte, als die Technik „Live“-Aufnahmen erforderte, und zwar „Direct-to-Disc“, ohne die Möglichkeit eines nachträglichen Eingriffs.
Mit Verbreitung des Tonbands änderte sich alles. Seitdem, also – realistisch gesehen – seit den späten 1940er Jahren, ist das musikalische Ereignis, das wir in Form einer Aufnahme erhalten, ein aus verschiedenen Elementen zusammengesetztes Werk. Dies gilt auch für klassische Musikaufnahmen.
In der Begleitbroschüre der betreffenden Veröffentlichung lesen wir: Live-Aufnahmen sollten eigentlich ein einzelnes Konzert ohne jegliche Manipulation zeigen. Für historische Aufführungen gab es keine andere Möglichkeit. Bei modernen „Live-Aufnahmen“ ist dies jedoch oft nicht mehr der Fall, da wir verschiedene Versionen (mehrere Konzerte, Probenfragmente, Nachkonzertaufnahmen) miteinander kombinieren können. Dies ist in der finalen Aufnahme nicht mehr wahrnehmbar. Oder vielleicht doch? Genau das wollen wir von Ihnen lernen, liebe Zuhörer! Deshalb zeigen wir Ihnen beide Versionen: die vollständige Version, die unbearbeitete Version und die Version mit mehreren Bearbeitungspunkten.
Die bedeutendsten nach 1945 entstandenen Musikwerke sind bearbeitete Werke. Oft sehr hart. Herausgegeben von Rudy Van Gelder – mehr → HIER – herausgegeben von Leuten, die Rockmusik aufnehmen, aber vor allem wurde diese Technik von Produzenten und Interpreten klassischer Musik bevorzugt. Dank dessen waren sie in der Lage, eine „perfekte“ Aufführung zusammenzustellen, die durch die bloße Aufzeichnung der gesamten Aufführung niemals zu erreichen gewesen wäre. Nicht nur, aber vor allem für sie wurden die ersten digitalen Tonbandgeräte entwickelt – die Leute von Denon beschäftigten sich mit klassischer Musik, ihre ersten Aufnahmen waren Jazz, Thomas G. Stockham, Jr. entwarf sein Soundstream-Tonbandgerät mit klassischer Musik Aufnahmen im Hinterkopf, und so verfügte Decca bereits Ende der 1970er Jahre über einen eigenen Digitalrekorder (Zusammenfassung zu diesem Thema → HIER). Die Idee bestand darin, Songfragmente ohne Qualitätsverlust und Vervielfachung des Rauschens kopieren zu können und eine perfekte digitale Bearbeitung zu gewährleisten.
Um Sie daran zu erinnern, worum es hier geht, erinnere ich mich an die Geschichte, die ich erzählt habe, als ich über das RADAR-Aufzeichnungssystem (Random Access Digital Audio Recorder, mehr → HIER) sprach. Es ging um das Album Miles Ahead von MILES DAVIS. ED MICHEL, der das Material für das Album vorbereitet hat, sagte:
[Teo Marcero] konnte nicht zum geschnittenen A-Band zurückkehren – die Bänder waren mit A und B gekennzeichnet, und das Stereoband war mit C gekennzeichnet –, weil das A-Band so stark geschnitten war, dass es weggeworfen wurde. Teo konnte nur nach Gehör sagen, was verwendet worden war, aber es war eine unglaublich schwierige Aufgabe. Es gab viele Takes, die wir aufgenommen haben. (MICHAEL JARRETT, Pressed for All Time , Chapell Hill: The University of Northern California Press 2016, S. 50.)
Ein guter Produzent kann es so machen, dass das Ergebnis besser ist als die Originalaufnahmen, und der Hörer keine Ahnung hat, wie viel Arbeit in die Vorbereitung einer bestimmten CD geflossen ist. Im Idealfall kommt es uns so vor, als würden wir einer „Live“-Aufnahme zuhören. Die Worte des Herausgebers der Zeitschrift „Stereophile“, Herb Reichert, der in seiner Rezension des Verstärkers Marantz Model 30 über das Album A Tribute to Jack Johnson , dem bereits erwähnten Trompeter, schrieb, sollten als Lob empfunden werden, wenn auch unbewusst. der Bearbeitungstechnik:
Eine sorgfältig vorbereitete Neuauflage des Albums von Miles Davis mit dem Titel Jack Johnson (LP, MFSL 1-440), das stärker und lebendiger als die Originalveröffentlichung ist, ist ein Album, zu dem ich immer wieder zurückgreife, um mich inspirieren zu lassen. Es ist ein reines, direktes künstlerisches Testament, durch das Reverend Miles mir einen persönlichen Dienst bietet, indem er seinen Wunsch nach etwas Realem und Bleibendem mitteilt, indem er nur wunderbar nachhallende Töne verwendet, umgeben von den treibenden Klängen einer himmlischen Band. (HERB REICHERT, Marantz Model 30. Integrierter Verstärker, „Stereophile“, Januar 2021, Bd. 44, Nr. 1, S. 53.)
Reichert hat natürlich recht – A Tribute to Jack Johnson , 1971 von Columbia veröffentlicht, ist ein brillantes Album, obwohl es eines von Davis‘ weniger bekannten Alben ist. Auch mit seiner künstlerischen Botschaft hat er recht, denn er erkennt die direkte emotionale „Übertragung“ der Energie vom Künstler und seinem Team auf uns richtig an. Dieses kurze Fragment zeigt jedoch etwas, was ich oben erwähnt habe – nämlich, dass ein gelungenes Musikwerk eine innere Wahrheit hat, die aufgrund der Mittel, die zur Erreichung dieses Ziels eingesetzt wurden, in den Hörer eindringt. Manchmal sogar, wie in diesem Fall, wenn die betreffenden Mittel im Widerspruch zur Wahrnehmung des Werkes stehen.
Bei der betreffenden CD handelt es sich nicht um eine Aufzeichnung einer Aufnahmesitzung, zumindest nicht nach dem allgemeinen Verständnis dieses Prozesses. Es wurde vom Produzenten Teo Macero auf Wunsch des Musikers „konstruiert“. Der Befehl war einfach: „Ich fahre nach Kalifornien. Ich habe 3.000 $. Ich gebe Ihnen 1.500 und Sie können etwas Musik von den Bändern aus dem Archiv zusammensetzen. Dies ist eine wahre Geschichte, an die sich Macero erinnert, der mit Davis an mehreren seiner wichtigsten Alben zusammengearbeitet hat, und die sie dem bereits erwähnten Michael Jarrett erzählt hat.
Die Arbeit an diesem „musikalischen Testament“ bestand darin, Tonbänder mit bisher unveröffentlichtem Material zu durchsuchen, zu schneiden, zu kleben und – das war's. Es gebe, wie er sagt, viele Wiederholungen, weshalb das Album heute so klingt, als wäre es ein Vorbote der Fusion-Musik. Dies ist der erste Teil der Geschichte. Der zweite wurde vom Musiker selbst geschrieben, der genau zur gleichen Zeit begann, diese Lieder auf der Bühne aufzuführen. Charakteristisch für diese Konzerte war, dass Davis ohne Pause von einem Lied zum nächsten wechselte, als ob sie ein Ganzes wären. Das Publikum und die Musikkritiker hielten dies für seinen neuen Stil, was durch das oben erwähnte Album bestätigt wurde. Aber es war umgekehrt – das Leben ahmte die Kunst nach, und die Autoren des Albums waren gleichermaßen der Künstler und der Produzent. Wie Jarrett sagt: „Ein guter Lektor kann ein großartiges Buch noch besser machen.“ Ein schlechtes Buch kann dieses Buch ruinieren“ (MICHAEL JARRETT, op. cit., S. 143).
Bei der CD mit Bruckners Symphonie Nr. 7 ist das nicht anders. Wie Andreas sich erinnert, erstreckte sich die Aufnahme über drei Tage, in denen viele Annäherungen an einzelne Fragmente erfolgten und die gesamte Symphonie mehrfach aufgenommen wurde. Als er Keller das bearbeitete Filmmaterial präsentierte, wussten beide nicht, welche Version besser war – die vollständige Aufführung oder die bearbeitete Version. Und das war der Impuls, uns Musikliebhabern beide Versionen vorzustellen. Wie sich herausstellte, stammten im ersten Teil etwa 80 % aus den beiden Konzerten am letzten Tag, im zweiten 91 %, im dritten 94 % und im letzten über 82 %. Es gibt 50 Bearbeitungspunkte (Verbindungen zwischen verschiedenen Versionen) im ersten Satz, 47 im zweiten, 35 im dritten und 49 im vierten Satz. In der gesamten Symphonie gibt es 181 Bearbeitungspunkte. Viel? Meine Damen und Herren, dies ist ein sehr leicht bearbeitetes Album. Herbert von Karajan konnte Elemente bearbeiten, die nur wenige Sekunden lang waren! Der Vergleich ist sinnvoll, da alle Aufnahmen im selben Raum, von denselben Musikern, ohne Publikum, im Italienischen Institut in Budapest vom 15. bis 19. Januar 2019 gemacht wurden. Diese 1937 gegründete Einrichtung bietet das sogenannte Große Halle von Pesti Vigadó, einer der Orte, an denen das Ungarische Symphonieorchester aufnimmt. Es hat eine klassische Kastenform, wenige schallabsorbierende Stellen und eine hohe, sogar sehr hohe Decke, Galerien an den Seiten und Sitze auf einer ebenen Fläche.
Andreas Spreer hat viele äußerst interessante analoge Aufnahmen in seinem Portfolio, die mit Neumann-Röhrenmikrofonen und Röhrenvorverstärkern erstellt wurden, aber auch mit digitaler Technik ist er vertraut. Vor allem, weil es die Möglichkeit bietet, Musik in einem Surround-System (5.1) zu hören – Tacet hat eine eigene Art entwickelt, Musiker um uns herum zu platzieren, genannt TACET Real Surround Sound. Es wird von einem speziellen Logo begleitet, das auf dem Cover des betreffenden Albums sichtbar und auf der Website des Herausgebers veröffentlicht ist. Interessanterweise war es nicht mehr auf dem fertigen Album, das wir zur Rezension erhielten. Es gibt auf dem Album auch keine Informationen über die Verwendung von Röhrengeräten, obwohl es sich bei den Mikrofonen mit ziemlicher Sicherheit um Röhrenmikrofone handelte. Wie er dem Autor des Buches Passion for Vinyl sagte : „Er reist gerne auf verschiedenen Wegen.“ Und als nächstes:
Einerseits macht es mir Spaß, mit modernsten Surround-Systemen zu arbeiten und neue Gebiete zu erkunden. Aber gleichzeitig faszinieren mich Röhrengeräte aus den 1940er und 1950er Jahren. Für viele war es ein goldenes Zeitalter der Musikaufnahme, dank all der wunderbaren Mikrofone, Verstärker und Tonbandgeräte, die im Einsatz waren damals. (ROBERT HAAGSMA, Leidenschaft für Vinyl , Record Indrustry, BV, Haarlem 2013, S. 49.)
Die Aufnahme wurde auf einer Doppel-Compact Disc veröffentlicht . Einer hatte die unbearbeitete Version und der andere die bearbeitete Version. Schade, dass wir sie nicht in der SACD-Version haben. Die CD wurde in einer normalen Plastikbox herausgebracht, wobei die zweite CD „von innen“ und nicht von außen geöffnet wurde. Auf dem Cover ist ein Gemälde von Paul Klee mit dem Titel „ Häuser an der Brücke“ zu sehen . Vor einiger Zeit hat der Verlag eine Änderung im grafischen Design angekündigt und das neue Cover ist tatsächlich etwas anders. Aber das ist meiner Meinung nach keine große Veränderung. Das Wichtigste scheint das gelbe Tacet-Logo zu sein, das dem Logo der Deutschen Grammophon ähnelt (obwohl Spreer diese Inspiration ablehnt).
Auch dieses Material kann in einem der Online-Shops erworben werden, sowohl in den Versionen FLAC 16/44.1 als auch FLAC 24/96, also in der Auflösung, in der die Aufnahme aufgenommen und gemastert wurde. Allerdings wird es nicht billig sein – der Presto Music Store verlangt 112 PLN [= polnische Zlotys] für die erste Version und sogar 151 PLN für die zweite; mehr → HIER. Auf der Tacet-Website können wir es wiederum im Surround-Format TACET Real Surround Sound kaufen . Die ersten Minuten des ersten Teils können auf YouTube → HIER verglichen werden.
ZuhörenDer von Andreas Spreer vorgeschlagene Vergleich zweier Versionen desselben Albums war für mich ein tolles Erlebnis. Dies ist eine der absolut wenigen und einzigen Aufnahmen in meiner Sammlung, die auf diese Weise verglichen werden können. Das Erlebnis ist noch größer, da die Aufführung und Aufnahme des Albums Symphonie Nr. 7 in E-Dur. Bruckner: Cut or Uncut? ein hohes Niveau hat - es ist eine hervorragende Aufnahme.
Tacets Registrierung ist dunkel und dicht. Die Stereophonie wurde auf der Hörachse eingestellt, in dem Sinne, dass der Zuhörer nicht sehr nah am Orchester sitzt, vielleicht bei einem Drittel des Publikums. Dies bedeutet, dass die Ränder des Panoramas nicht breit sind, sondern dass die Tiefe vorherrscht. Dieses ist äußerst natürlich, da es weich, dick und flüssig ist. Hier gibt es nicht viel Selektivität, sondern wir „spüren“ wie bei einem Live-Auftritt die Größe des Orchesters und „nehmen“ seine Kraft mit unserem ganzen Körper wahr. Daher sind die leiseren Fragmente, sei es das Pizzicato der Kontrabässe oder die leisen Schläge auf den Kessel, alle klar und zugleich in das Ganze integriert.
Es ist auch eine unglaublich dynamische Registrierung. Die Fließfähigkeit und die dunkle Textur, von der ich gesprochen habe, lassen uns für einen Moment denken, dass der Klang ruhig ist, dass die Musiker die Phrasen etwas träge beginnen und sie erst nach einer Weile stärker betonen. Wenn wir uns das Album über einen längeren Zeitraum anhören, wird sich herausstellen, dass das, was wir für Ruhe gehalten haben, der Mangel an Spannung war und dass die Dunkelheit nur – und genauso viel – die natürliche Sanftheit des Orchesters ist, das man in einem großen Raum hört Der beste Platz.
Und nun – diese Aufnahme gefällt mir sehr gut, in beiden Fassungen. Aber gleichzeitig weiß ich genau, welche ich hören möchte – und das ist die EDITED-Version. Sehen Sie, ich hatte nie die Illusion, dass so etwas wie ein akustisches „Dokument“ existiert. Ich musste nicht einmal auf den Kurs über postmoderne Ästhetik und Sensibilität zurückgreifen, den ich während meines Doktoratsstudiums belegt hatte, um zu „spüren“, dass es dort, wo ein Mensch ist, auch Wahlmöglichkeiten gibt. Und wenn es Wahlmöglichkeiten gibt, handelt es sich nicht um eine objektive Sichtweise, sondern nur um den Versuch, asymptotisch einem Zustand näher zu kommen, in dem wir uns auf das Wesentliche des Werks – Fotografie, Film, Literatur, Musikaufnahme usw. – einigen und so tun können dass es sich um ein Dokument handelt, was „die Wahrheit, wie sie ist“ bedeutet.
Deshalb betrachte ich Musikaufnahmen als eine Kunstform, bei der es darum geht, dass der Zuhörer das Beste bekommt, und es muss die Vision des Produzenten sein. Ob es sich um eine komplette Aufnahme oder eine bearbeitete handelt – für mich spielt es keine Rolle, solange es sich um eine durchdachte Tätigkeit handelt und ich die beste Version des musikalischen Ereignisses erhalte. Und in diesem Fall ist es für mich ohne Zweifel die bearbeitete Version.
Über diese Wahl musste ich nicht einmal lange nachdenken. Die CD Nr. 2, auf der es enthalten war, erschien mir stimmig, stark und energisch. Ich denke, das war für mich das Interessanteste, die Art von Dynamik , die erreicht wurde. Die Uncut- Fassung war etwas weniger zeitdiszipliniert, in dem Sinne, dass sie weniger impulsiv war. Es ist, als würde der Schlagzeuger einer Jazzband ein Solo spielen, er hatte es sich sogar ausgedacht, aber während er Entscheidungen traf, fragte er sich für den Bruchteil einer Sekunde: „Was jetzt?“ Cut wiederum ist eine Fortsetzung dieses Vergleichs und ein perfekt ausgewogenes Solo mit Improvisation und einem unglaublichen Bewusstsein für das Spiel, seiner Sicherheit.
Ja, es war diese Gewissheit der Phrasierung, Gewissheit des Rhythmus und schließlich auch der Dynamik, die mich in der bearbeiteten Version so reizvoll fand. Auch wenn ich nach mehrmaligem Hören wieder zur unbearbeiteten Version überging und sie mir ohne Vergleich anhörte, gefiel es mir auch. Sie hat etwas Unschuldiges an sich. In dem Sinne, dass es ein Spiel ist, das sich seiner Grenzen bewusst ist. Dies ist nach der Bearbeitung nicht mehr vorhanden. Es besteht jedoch Vertrauen in die eigenen Fähigkeiten und Sicherheit im gewählten Bereich. Und es gefällt mir noch mehr, besonders wenn es um ein monumentales Werk wie die 7. Symphonie E-Dur (WAB 107) geht.
ZusammenfassungZusammenfassend möchte ich sagen, dass das, was uns die Herren Spreer und Keller geschenkt haben, wie Süßigkeiten in der Kindheit ist – davon gibt es nie genug, aber wenn wir sie bekommen, sind wir für einen Moment im Himmel. Das Fantastische ist, dass es sich nicht um eine „Inszenierung“ in dem Sinne handelte, dass jemand sie im Voraus geplant hätte. Ich bin mir sicher, dass die Wirkung dann meiner Meinung nach noch anders ausfallen würde – schlimmer. Wir erhalten also eine sehr gute unbearbeitete Version und eine ausgezeichnete bearbeitete Version. Darüber hinaus handelt es sich gewissermaßen um zwei unterschiedliche Aufführungen, wir kaufen also nicht eine, sondern zwei Platten – nicht zwei Kopien, sondern zwei verschiedene Platten mit dem gleichen Material und den gleichen Künstlern, aber mit unterschiedlichen Aufführungen. Und es ist wunderschön und fantastisch. Für sie – ˻BIG RED BUTTON˺, also eine Auszeichnung für tolle Umsetzung und eine hervorragende Idee.
Es handelt sich hier um eine automatische Übersetzung (mit Google-Translate) der polnischen Kritik auf highfidelitynews.pl. Veröffentlichung mit freundlicher Genehmigung von Wojtek Pacula. Die Originalkritik finden Sie hier.
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